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“纽带”系列主题展之 – 《游牧世界》及作品《人类本质之间的共鸣》

展出时间：2024年9月27日至 11月30日

新中法大学的当代艺术展览中心将迎来艺术家宋晓君和蔡雅玲的艺术作品展

宋晓君是一位来自中国的艺术家，她一直在中国生活学习至24岁，之后来到法国继续艺术深造，现由Françoise Besson画廊代表。她的艺术实践深受中法两国文化的的影响，自然地反映出她对存在的看法以及对自身立足于世界的思考。

有与无，实与虚，是她创作的核心，特别是透过《修行》系列作品探寻它们之间的关系和构成，因为在她看来，一切不过是在无序中循环往复。《修行》系列作品就是一种重复的创作，相似的笔触线条，就像一种情绪的宣泄，一种对远离故土生活在别处的个人经历的倾诉。

宋晓君，看不见的存在

“宋晓君的创作实践似乎隐藏着一个悖论，即她在绘画和装置作品之间提出了意想不到的关联。在这些纸上的形象与一面空白、摇曳的墙壁之间的对话中，我们究竟看到了什么？

首先观察这些穿过纸张的线条形体时，我们会联想到厚重的发髻、土地上的沟壑、等高线，甚至是器官。这个唤起人体或风景轮廓的视觉词汇有时变得更加具象，与模糊且有机的形状交织在一起，仿佛组成了肉体的碎片（《红色系列修行十一回》，《三折系列修行一回》）。无论如何，身体始终存在：它从未被直接呈现，而是以曲线、流动与回流、线条的形式出现，甚至连纸张本身似乎都在唤起皮肤的表面感。

这些绘画无疑暗示着其形象超出了图画的界限，仿佛被纸张的边缘截断。我们需要改变焦点，调整观看的尺度来理解它们：要么远离，想象这幅画只是对一个更大形态的框取；要么相反，靠近它，仿佛仔细观察能揭示它的物质性。无论是哪种情况，若图画暗示了一个实体，无论是身体还是风景，作品都在暗示某种未被展示的部分。

这些画作或绘画的材质性也同样充满了模糊性：尽管它们的工具确实是传统中国绘画的工具，但其线条状和重复性的特点让人联想到一种书写方式，例如罗曼•奥帕尔卡（Roman Opalka）的作品，但却带有更感性的处理方式。无论如何，这些形态都体现了某种特定的动作或创作程序。
在我们的一次访谈中，宋晓君将绘画称为“一种自我体验”。她说道：“对我来说，一个主要的问题是我什么时候停止绘画，什么时候离开它，什么时候它也离开我。”因此，她的绘画是一种表演性的体验：是艺术家与某种不存在但被她召唤的事物之间一次特殊接触的瞬间。

绘画的表演性维度从根本上是由呼吸所驱动的：每一条线都是一次呼吸的单位。在这里，线条的重复导致了一种具象化的过程。宋晓君还说：“线条……来自无处，去往无处。它既是原因，也是它自身的结果……第一条线生成第二条，然后是第三条，最终构成整个作品。”

老子，艺术家有时提到他，曾说过“万物”，意思是“这个世界上的所有事物”：生命诞生并展开。她还说：“线条的存在意义只在于不断的生成与重复，当绘画的动作消失时，线条就完全进入了冥想的状态。”在这里，我可以提出一个看法，即所谓的冥想超越了其通常的定义，涉及到与某种超越之物的关系：一种在当下存在的方式，同时呼唤着某种缺席。”
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Thierry Fournier
2022年，于Meaucé，法国

宋晓君，是中国 20 世纪 80 年代开始实行的独生子女政策的一代人，她 24 岁之前一直生活在中国。她曾就读于湖北美术学院，后赴法国南锡国立艺术和设计学院继续深造，现在里昂附近工作和生活，由Françoise Besson画廊代表。

《人类本质之间的共鸣》蔡雅玲

蔡雅玲，于2024年春季在艺术八-北京艺术之家的艺术城驻留。这次她带着作品《人类本质之间的共鸣》来到新中法大学。

这件作品是对潘玉良 – 20世纪初中国杰出的首位女性艺术家的致敬。一个世纪前，潘玉良也曾在法国生活学习，她先后就读于里昂中法大学和巴黎美术学院。

这幅由水晶珠子串连的珠帘作品上绘有潘玉良的肖像和她的一幅画作。水晶材质的应用，隐喻着女性艺术家艰难脆弱，同时更加弥足珍贵的经历。珠帘悬挂于新中法大学历史博物馆展区和当代艺术展区之间的通道处，参观者穿过作品，进入艺术展区。《人类本质之间的共鸣》，标记着由上世纪20年代中国学子赴法求索之路，与当下中国青年艺术家在里昂驻留创作之间的历史转折。